агато разів писав будівлю парламенту, створивши цілу серію робіт на цю тему. «Будівля парламенту в Лондоні» (1904, музей д'Орсе, Париж) немов оповите густим туманом, крізь який проступають величні обриси неоготичному архітектури і пробивається жовто-руде сонце, окрашивающее Темзу рудувато-багряними відблисками. Живопис умовна, художник зображує не конкретні деталі, зокрема миттєвий образ міста, яким він його побачив. Імпресіонізм Моне перелається об'єктивної реальності, не визнає незмінності якостей предметів. Їх колір, а також обриси залежать від світла - ледь пробивається, що заливає всю околицю, або згасаючого, що переходить в сутінки.
У 1908 Клод Моне з родиною відвідав Венецію. Дивовижна атмосфера цього міста, водні простори, разюче обіграні венеціанськими архітекторами, рефлекси на воді і пам'ятники, двоящиеся в ній, підкорили художника. Під час подорожі народилася серія робіт з венеціанськими пейзажами [5].
Складно назвати картину «Палаццо да Мула у Венеції» (1908, Національна галерея, Вашингтон) ведуть (міським пейзажем) або архітектурним пейзажем. Вона, висловлюючись фігурально, більше схожа на «портрет» середньовічного венеціанського будівлі, що дивиться в дзеркало каналу. Це портрет крупним планом, краю палацу обрізані рамою картини, в кадр увійшла частина будівлі без даху. Очевидно, Моне не ставив перед собою завдання скопіювати пам'ятник. Художник підкорений дивним єдністю архітектури і ландшафту, геніальністю архітектора, що спроектував палац виходять з води. Палаццо і канал, на березі якого він зведений, живуть нероздільної життям: кам'яні стіни відображаються у воді, а вона, у свою чергу, відбиваючи сонячне світло і синє небо, немов забарвлює стіни в небесні відтінки. Саме це і передав Моне. Горизонтальна композиція з чітким поділом на перший (водний простір) і другий (стіна палаццо з численними арками віконних і дверних прорізів) плани полегшується двома тонкими силуетами гондол.
У другому десятилітті нового століття старіючий Клод Моне все більше рідних із самотністю. У 1911 померла друга дружина Аліса, в 1914 - Жан - їх перший з Каміллою син. За художником віддано доглядала дочка Аліси від першого шлюбу, яка стала дружиною (а тепер і вдовою) Жана. Разом з цими втратами художника спіткало ще одне лихо: в 1912 лікарі поставили йому діагноз подвійний катаракти. Він вже не міг передавати на полотні світлові ефекти, побачені в живій природі. Була в цьому зла іронія долі, що віднімає в художника головне, чим він живе, - зір, подібно до того, як музикант втрачає слух (досить згадати Бетховена, не чула звучання своєї геніальної «Дев'ятої симфонії»). Однак Моне не переставав писати [8].
У 1916 він задумав нову серію панно розміром 4x2 метри з видами свого саду. Панно «Ненюфари» («Латаття», 1920-1926, Музей Оранжереї, Париж) народжує відчуття площинності і нескінченності простору, немов витікають за рами картини. Великими соковитими мазками художник намічає форму листя і квітів, працює колірними плямами.
«Автопортрет» Клода Моне (1917, Музей Оранжереї, Париж) це самооцінка людини, її відображення в дзеркалі власної свідомості. Портрет написаний в фас, але втомлені очі не дивляться на глядача. Моне не шукає «діалогу». Формально робота здається незакінченою: зображена лише голова художника, схематично намічені лінії плечей. Однак густа тінь, що оздоблює портрет, не залишає сумніву в завершеності образу і повідомляє йому драматизм.
Пізні твори Моне знаходяться на межі предметного і безпредметного мистецтва. Як приклад можна привести роботу «Сад зі ставком в Живерні» (близько +1920, Музей образотворчих мистецтв, Гренобль). Куточок саду художника постає таємничим місцем, захованим в густих заростях. Ця робота, безумовно, предметна: тут чітко побудована композиція, помітні обриси гілок. Здається, що колір відіграє самостійну роль у цьому творі, він декоративний в ламанні згасаючого зору художника. Картина справляє драматичне враження, завдяки нереалістичною умовної передачі кольору. Колір експресивний. Це вже не імпресіонізм - в техніці письма та мистецької концепції, це відображення внутрішнього світу старою людини.
У «Японському містку» (1918, Інститут мистецтв, Міннеаполіс) читаються обриси улюбленого містка, перекинутого через ставок з лататтям і увитого гліциніями. І це, мабуть, єдине, що можна «ідентифікувати» в навіженстві фарб, не рахуючи невисокого куща на передньому плані картини і вертикалі дерева біля правого краю. Тут досить охопити композицію в цілому, не дроблячи на частини, щоб побачити її очима художника: буйство фарб, повнота життя, краса. Бачити красу і творити її, жити для мистецтва і писати до останнього дня [8].
«Моне - це всього лише око, але, Боже мій, зате який!» - вигукував свого часу Сезанн. Живопис французького художника - це захоплене і...
