и одностороннім: чимало митців загинуло тільки тому, що прийняло якусь одну манеру, засудивши все інше. Необхідно вивчати всі і вивчати неупереджено. Тільки таким чином ви зможете зберегти свою оригінальність, оскільки не будете слідувати манері якогось одного художника. Потрібно бути учнем всіх, і, в той же час, нічиїм: всі отримані уроки потрібно перетворювати у власне надбання »[13].
1.2 Біля витоків жанрової картини
Рембрандт - один з великих голландських художників XVII століття. Він міг народитися де завгодно і коли завгодно. Його мистецтво залишилося б тим же самим в будь-який час.
Рембрандт відрізняється різнобічністю і глибиною творчих устремлінь. У центрі його уваги завжди стоїть людина. На початку він пише жорстко і ретельно, відокремлюючи поверхні. Фарби темні, густі, точно спалені. Але в композиції є щось дивовижне. Його займає світло, рясно падаючий на предмети.
Це чільне значення світла і кольору для емоційно-психологічної характеристики стало новим прийомом, завдяки якому Рембрандт доносить свій задум до глядача, розкриває світ своїх героїв.
У наслідку живопис Рембрандта стає сміливіше, малюнок вільніше, фарби багатшими, його мазок стає глибоким і соковитим. Він стає художником чудесного. Під його пензлем диво здається дійсно совершившимся, він не залишає місця сумніву в тому, що зображує. Рембрандт ретельно вивчає життя. Часто малює буденні сюжети.
Рембрандтом створена ціла галерея привабливих портретних образів голландського простолюдина. Брат Рембрандта - швець Адріан, дружина ремісника Барт Доомер, безіменні старі і старенької стають носіями вищих чеснот і найцінніших якостей людини. Одна з самих, ймовірно, останній його робіт Блудний син знаходиться в Ермітажі. У цьому образі він, може бути, хотів зобразити самого себе, знемагаючого від зем?? их поневірянь, спраглого отдохновения.
Старий батько, виплакати очі від горя за роки розлуки, незграбним жестом чоловічої ласки, намагається обійняти знову знайденого сина. Несподіване щастя підкосило його сили. Мовчки, вражені величчю людського всепрощаючого серця, застигли глядачі.
Незвичайний для жанрової картини розмір полотна. Великі фігури дозволяють багато сказати про людину. Обстановочной деталі відсутні. Ледь помітно дерево в глибині праворуч.
Будинок швидше вгадується по положенню голови служниці в лівому верхньому кутку картини. Художник, як би говорить: все це для мене не важливо, я виділяю головне. Світлими фарбами і тяжкістю кладки вирвана з напівтемряви група зліва. Старий - батько, схилений над сином, поклавши руки на його плечі, і уклінний син, припавши до батька, злилися в одному світлому плямі. Праворуч, біля самого краю, картини виділяється постать іншого сина, що стоїть в профіль. Вона освітлена слабкіше, але все ж настільки, що утворює правий край композиції. Просторовий і світловий компонент композиції. Яскравість і тяжкість плям розпорядженні фігури за ступенем важливості і, в загальному сенсі, визначають порядок читання композиції. Головна група відразу впадає в очі, хоча і розташована не в центрі. Права стоїть постать виділена світлом слабкіше, сприймається як світловий і колірної відгомін головною. Тут відоме внутрішню єдність. Сидяча фігура, що виражає осуд, затемнена сильніше, і в позі і в колориті - контраст. Сильні світлові контрасти (функція виділення, розчленування) і явні колірні повтори (функція зв'язування). Контраст важкої кладки в одязі батька і лахміття блудного сина і його виразні ступні (як - ніби в них читається вся історія сина).
У цій картині фігури виступають з напівтемряви, як - ніби освітлені окремими сильними джерелами світла. Прийом умовний світлотіні трансформується в загальному образному ладі. Ідея любові до приниженої і страждаючої людини, духовну красу якого Рембрандт відстоював всією своєю творчістю, знайшла в цьому творі найвище втілення. Огюст Ренуар - один з французьких живописців XIX століття, що народився 25 лютого 1841, умів яскраво і повно висловлювати свої думки і почуття. Він пише те, що йому близько, не відчуваючи схильності до історичних або міфологічних сюжетів.
Він говорив: У природи не навчишся мистецтву. З природою кожен звертається як хоче і неминуче приходить до самого себе. Я роблю те ж [21].
Не менш характерно і наступне його міркування: «Я одного разу захоплювався" Пастушка Фрагонара, чарівна спідниця якої сама по собі коштувала цілої картини. Хтось помітив, що пастушки тих років були такі ж брудні, як і зараз. По-перше, мені на це наплювати. А по-друге, якби й так, хіба не повинні ми схилятися перед художником, який втілює брудні, засмальцьовані моделі в справжні коштовності? »[21].
...
